Мода та Франція – нероздільне ціле, що змушує серця жінок битися частіше. Французькі модні будинки здаються чудовими чарівними замками із казково красивими мешканцями. За кожним словом та виходом їх величних власників стежить увесь світ, який поклоняється Високій Моді. І відбувається це далеко не випадково: засновники найкращих модних будинків Франції в періоди свого безумовного правління буквально змінювали моду, змушуючи весь світ безжально розлучатися з усталеними стереотипами і назавжди закохуватися в непізнане.

(1879–1944)

Час правління: 1903-1927

"Я оголосив війну корсетам."

Створення вільного силуету.Реформа Поля Пуаре, яка дозволила жінкам відмовитися від корсетів, мала свої витоки у 1890-1910 роках, коли модельєр пропагував повернення до античної моди. Він запропонував модницям Парижа, а потім і всієї Європи, одягнути плаття-туніку і накидку-пеплос, що відсилають до Стародавньої Греції, а також започаткував моду на кімоно. В 1906 відбулася реформа великого модельєра - Поль Пуаре представив світу новий силует вбрання. Сукня-сорочка не мала корсета, і була вільною від грудей до підлоги. Реформа зробила колосальний переворот у жіночому вбранні всього світу, але вона не була самоціллю для Поля Пуаре — новий силует з'явився лише тому, що модельєра надихали вільні вбрання танцівниць Айседори Дункан та Мати Харі.

Випуск спідниці-брюк.У 1911 році Поль Пуаре запропонував модній європейській публіці спідницю-штани. Новий предмет одягу спровокував величезний скандал, але набув такої шаленої популярності, що папа Пій X зрадив великого модельєра анафемі. Жінки змінили своє ставлення до одягу так рішуче, що категорично відкинули новий винахід Поля – «хромоногу спідницю», що звужується під колінами до 30 см. Жінки після глобального перевороту більше не хотіли допускати незручні вбрання у свій гардероб.

Запровадження нових стандартів краси.Великий «модельєр-тиран», як себе називав сам Поль Пуаре, звів на п'єдестал новий естетичний ідеал жінки. Стандарт краси передбачав тонку спортивну фігуру без яскраво виражених обсягів у районі стегон та грудей, коротку стрижкута рвучкі рухи. Наслідуючи новий ідеал, жінки могли виглядати органічно в сукнях модельєра. В історії моди ім'я Поля Пуаре стало пов'язане зі створенням молодіжного стилю.

Розширення виробництва модного будинку.Поль Пуаре запропонував новий, максимально повний образ модного будинку: крім одягу, модельєр став пропонувати іменні парфуми, товари для дому та інші побути.

Створення костюма як мистецтво.До першої світової війни Поль Пуаре безроздільно правил модою, але до 1927 року химерність його нарядів перестала влаштовувати публіку. Модельєр ставився до створення костюма як мистецтва, але у час відбувалася загальна демократизація моди. Підхід Поля Пуаре перестав бути затребуваним, і йому довелося закрити «Будинок Пуаре і raquo».

(1883–1971)

Час правління: 1913 – 1939

«Мода виходить із моди, а стиль ніколи.»

Впровадження ідей практичності та функціональності в одязі.Новаторство Коко Шанель полягало вже в тому, що своїм вбранням вона не несла жодної філософії. Головною ідеєю модельєра були максимальна практичність та функціональність нарядів. Саме з простих моделейвід Коко Шанель розпочалася мода ХХ ст. Денний та вечірній одяг розроблявся модельєром насамперед з урахуванням того, щоб костюм не обмежував рухів. Так з'явилися білі лаковані туфлі з чорним носком на низьких підборах, розроблений у 1925 році м'який піджак і створений у 1955-му чорний стьобаний рідікюль на ланцюжку, який звільнив руки жінок. У 1954 році Коко Шанель представила публіці твідовий костюм — символ нового покоління, яке віддає перевагу одягу на всі випадки життя.

Створення класичного жіночого гардеробу.Коко Шанель створила класичний жіночий гардероб: маленьке чорна сукня, твідовий костюм, туфлі на низьких підборах, нитка перлів як прикраса на всі випадки життя. Знамените little black dress модельєр розробила у 1926 році, коли захотіла створити рівнозначно відповідний для денного та вечірнього виходу універсальне вбрання, який можна урізноманітнити аксесуарами. Нову модель сукні чорного кольору, яка раніше вважалася жалобною, із захопленням прийняли всі модниці світу.

Спрощення вбрання.Коко Шанель навчила жінок створювати сексуальний образ, не оголюючи тіло. Її вбрання відрізнялося простотою та відсутністю зайвих деталей. Маленька чорна сукня довжиною до середини ікри називалася «маленькою» насамперед через відсутність декору. Модельєр відмовилася від модних раніше важких пишних капелюхів, складних конструкцій нарядів і всіляких деталей, що не несуть практичної цінності– воланів, рюшів, драпірувань. Простий, зручний та елегантний одяг від Коко Шанель американський журнал Vogue назвав "фордом" моди. Єдиним фетишем модельєра, що ускладнювало вбрання, були прикраси. Вона носила простий костюм з біжутерією та коштовностями одночасно, а її фірмовим знаком були брошка-камея та перли.

Фемінізація костюма.Коко Шанель створила безліч предметів одягу, які дозволили жінкам існувати на рівних із чоловіками у всіх сферах життя. Модельєр спроектувала та почала носити штани, завдяки яким представниці прекрасної статі вперше отримали можливість швидко ходити. Для денних заходів Коко Шанель розробила укорочені, а для вечірніх – широкі штани. Модельєр з легкістю бралася за вдосконалення одягу своїх шанувальників, наприклад светра гравця в поло Боя Кепеля або твідового пальта герцога Вестмінстерського, і віддавала перероблені твори всім жінкам.

(1905–1957)

Час правління: 1947 - 1957

«Завжди варто виділяти свої найкращі риси. Власне, мода цим і займається – посилює та підкреслює жіночу красу.»

Створення силуету New Look. Крістіан Діор повернув у моду жіночну форму «пісочний годинник» — затягнуту талію і пишну спідницю. Силует New Look підносив у новому світлі популярний раніше культ витонченості та забуті лінії в одязі. Крістіан Діор воскресив вишукані бальні сукні, на подолах яких витрачалося до 50 метрів тканини, в яких було важко ходити і навіть дихати. За це модельєра не любила Коко Шанель, проте більшість жінок у важкий повоєнний час з радістю повернулися до забутого образу.

Акцентування нерівноправності.Крістіан Діор створював вбрання для жінок, яким більше не хотілося самостійності та рівноправності з чоловіками. Модельєр також розробляв одяг, що демонструє соціальний статус їхньої власниці, що знову говорило про прагнення нерівноправності, тепер уже між верствами суспільства. Ці ідеали – жіночої безпорадності та демонстрації фінансових можливостей – були надзвичайно популярними у повоєнний час, коли люди втомилися від постійних поневірянь та напруження.

Відродження ідеї костюма для кожного випадку.Крістіан Діор відродив моду не лише на складні зачіски, маленькі капелюшки, корсети та рукавички до ліктя, але також і на буржуазну ідею костюма для кожного випадку. Тепер будь-якому виходу, будь то зустріч у кафе або вечірній прийом, вимагалося власне вбрання зі своїми поєднаннями кольорів і набором аксесуарів.

Введення поняття сезонних змін у моді.Модний дім Dior за десять років випустив 22 колекції. Кожна кардинально змінювала силуети попередньої. Таким чином, саме Крістіан Діор започаткував сезонні зміни в моді.

(1936–2008)

Час правління: 1962 - 2002

"У цьому житті я шкодую лише про одне - що джинси придумав не я."

Змішування стилів.Ів Сен-Лоран став першим анархістом у моді, змішавши haute couture та молодіжну субкультуру. Він поєднував класичний костюм і сучасне мистецтвопростий крій і складний малюнок. Модельєр пропагував мінливість в одязі і вважав, що не потрібно віддавати перевагу одному стилю.

Введення в одяг елемента гри в перевдягання.Ів Сен-Лоран позбавив моду зайвого пафосу і серйозності. Модельєр вперше показав процес одягання як гру, а не демонстрацію статусу та переваг.

Використання новаторських ідей.Ів Сен-Лоран створив безліч новаторських нарядів: чоловічі смокінги для жінок, сукні у стилі «сафарі», прозорі сукні. Модельєр увів повсюдну моду на штани. 1983 року в нью-йоркському музеї Метрополітен було відкрито виставку-ретроспективу, присвячену Сен-Лорану, а 1985 року за свої видатні ідеї модельєр отримав модний «Оскар».

(1821–1892)

Час правління: середина XIX століття - теперішній час

«Кожна валіза повинна поєднувати в собі мобільність та легкість.»

Переворот над ринком багажних виробів.Луї Віттон у 1858 році представив світові першу в історії людства плоску валізу. Винахід справив фурор – валізи помітно спростили життя мандрівникам та у найкоротші терміни замінили скрині.

Створення моди на відкриту демонстрацію соціального статусуЗавдяки Луї Віттону, а також його синам Жоржу та Гастону, модники всього світу отримали можливість демонструвати свій соціальний статус на вокзалах, готелях та аеропортах. Знаменита монограма Louis Vuittonпризвела до загального захворювання на «логоманію». Луї Віттон звільнив світ від уявлення про те, що валіза призначена лише для зберігання речей.

Дизайнери – це ті авторитети у фешн-індустрії, які диктують нам модні стандарти та визначають тенденції. Кожен дизайнер відомий і впізнаваний чимось своїм, і у кожного особливий неповторний почерк. Деякі з цих людей стають справжніми легендами у світі моди та стилю. Як їм це вдалося? Може, вони просто пустощі долі – чи за цим стоїть прагнення втілити свою мрію в життя та гігантську працю? Що їх прославило?

Габріель Бонер Шанель (Коко Шанель)

Знамениту Мадемуазель знають сьогодні, мабуть, усі. Її цитують, їй прагнуть наслідувати. Вона вплинула на моду XX століття, заснувала модний будинок Chanel подарувала світу свою фірмову парфумерію під номерами. Своє прізвисько Коко отримала, коли співала у кабарі. Вона була неординарною, сміливою та яскравою особистістю, з великою силоюволі та бездоганним смаком. Їй ми зобов'язані модернізацією жіночої моди, запозичення багатьох елементів з чоловічого гардеробу, популярністю універсальної маленької чорної сукні, перлів, твідових костюмів, маленьких капелюшків, біжутерії та засмаги.

Коко Шанель зробила розкіш практичною. Найбільше в одязі вона цінувала комфорт та втілювала у своїх колекціях цей принцип. Вона казала, що «розкіш має бути зручною, інакше це не розкіш». Серед клієнтів та знайомих Мадемуазель було безліч світових знаменитостей. В одному з інтерв'ю на питання про те, які події в житті пробудили в ньому інтерес до мистецтва, вона відповіла: «Живучи в дитячому будинку під наглядом черниць, я навчилася шити. Вони навчили мене базовим навичкам швачки, тоді я була вже досить тямущою, щоб зрозуміти метод. Я дійсно набила руку і сфокусувалася на дизайні вже у ранньому віцітому у мене так швидко з'явилися відомі клієнти».

Свій перший магазин Шанель відкрила у 1910 році, в Парижі. Там продавалися капелюшки. Пізніше в її магазинах з'явився одяг. Цікаво, що найпершим одягом, який створила Шанель, була сукня, перероблена зі светра. На її вбрання звертали увагу і запитували, де вона його придбала, а у відповідь Коко пропонувала зробити таке вбрання для тих, хто цікавиться. Пізніше вона говорила, що її стан «заснований на старому светрі, який я одягла, тому що в Девіллі було холодно».

Карл Лагерфельд

Один із найвпливовіших модельєрів, людина феноменальної працездатності, багатогранна натура, володар безлічі талантів. Цей всесвітньо відомий дизайнер німецького походження керує модним будинком Chanel із 1983 року. Крім цього, Карл дизайнер і засновник власного модного бренду, талановитий фотограф, режисер, власник видавничого дому та особистої бібліотеки в 300 тисяч томів. Лагерфельд говорить про себе: «Я немов хамелеон, у мені живе одночасно кілька людей. Створювати для мене – схоже на дихання. Я навіть не замислююся над цим. Коли я сиджу в директорському кріслі Chanel, я є Chanel. Коли я їду до Риму та знаходжусь у Будинку Fendi, я – Fendi. Я починаю роботу над новою колекцією за день до того, як показують попередню».

Його творчі здібності виявилися вже у ранньому дитинстві. Він навчався в ліцеї Монтень при Синдикаті високої моди на одному курсі з Івом Сен-Лораном. Лагерфельд співпрацював з великою кількістюзнаменитих модних будинків, створював аромати, лінії готового одягу, взуття, аксесуарів. Після того, як у 1966 році він створив свою першу колекцію хутряних виробів для Fendi, яка мала величезний успіх, на нього звернули увагу найвпливовіші люди світу моди.

У 70-х Лагерфельд став співпрацювати з відомими режисерами та створювати костюми для акторів театру Ла Скала. Він вдихнув новий струмінь життя в модний будинок Chanel, ставши його керівником і дизайнером, кажучи: «Так, вона говорила, що мода вмирає, а стиль безсмертний. Але стиль повинен адаптуватися, підлаштовуватися під моду. Шанель мав своє життя. Велика кар'єра Вона скінчилася. Я зробив усе, щоб продовжити її, і продовжую робити, щоб вона тривала вічно. Головне моє завдання – постаратися транспонувати те, що вона робила сьогодні. Вгадати, що вона почала робити, живи вона зараз і тут, опинися Мадемуазель на моєму місці».

Друзі називають Карла Кайзером (Цезарем, на німецький зразок) за його приголомшливу здатність робити кілька справ одночасно. Він приховує свій вік і переймається тим, що не вистачає життя на реалізацію всіх його творчих ідей. Лагерфельд обожнює книги (він навіть створив аромат Paper Passion із запахом свіжодрукованої книги), малює ілюстрації для творів, не мислить життя без фотографії, шиє костюми для кіно та театру, випускає парфумерію, займається власним брендом, створює дизайн готелів, знімає короткометражні фільмита організовує виставки, випускає жіночі колекції.

Ельза Скіапареллі

Відомий італійський дизайнер першої половини XX століття, яку вважають сюрреалістом від світу моди, головною суперницею Шанель, творцем стилю прет-а-порте. Ельза народилася сім'ї аристократів, з дитинства вивчала живопис, історію мистецтв, любила театр. Підробляючи екскурсоводом у Парижі, Ельза спостерігала за тим, як найменше дружин багатих американців цікавила архітектура і найбільше – модні магазини. Імовірно, саме тоді їй на думку прийшла ідея шокувати публіку незвичайним одягом.

Познайомившись із емігранткою з Вірменії, в'язаний светрроботи якої Ельзе так сподобався, вона умовила її створювати спільно незвичайні моделіодягу. Плодом їхньої праці стала дуже незвичайна чорна вовняна сукня з бантом у вигляді метелика. Завдяки своїй роботі вони привернули увагу та отримали велике замовлення від магазину спортивного одягу Strauss. Саме це замовлення подарувало славу Скіапареллі та фабрику трикотажних виробів вірменській діаспорі. Ельза заснувала свій модний будинок. Як і замислювалась спочатку, вона шокувала публіку своїми колекціями. Вони втілювали найсміливіші її фантазії та мрії, висловлювали щось ірраціональне та незбагненне. Кожна річ була унікальною. Багато хто був створений в єдиному екземплярі. Серця, сузір'я, руки, що обіймають, змії, гігантські мухи, незвичайні малюнки, вишивка та химерні аксесуари – все це привертало увагу та епатувало.

Саме Ельза вперше винайшла поняття "бутік" (магазин, де продаються невеликі серії авторського одягу). Багато знаменитостей співпрацювали з Ельзою і із задоволенням набували її одягу. У Скіапареллі був контракт із Голлівудом. Вона дружила з Сальвадором Далі (саме він підказав їй ідею сукні з омаром та петрушкою та сумки-телефону). Під впливом Далі Ельза створила найнезвичайніші свої речі: капелюх у вигляді туфлі чи чорнильниці, рукавички з кишенями для сірників. Біжутерія була втіленням найдивніших ідей, як матеріали використовували льодяники, ліки, ластики, пір'я, олівці, висушені жуки.

Ельза часто називала свій модний будинок божевільним. Популярність колекцій Скіапареллі була величезною, всі хотіли мати у себе цей дивний одяг, навіть сама герцогиня Віндзорська. Але коли їй довелося виїхати до США через початок Другої світової війни, про неї немов забули. Після повернення до Парижа 1944 року її стиль перестав бути затребуваним. Шанель панувала на модній сцені, і Ельза вирішила залишити світ моди.

Обидві талановиті жінки були новаторами у світі моди, але зовсім різними. Шанель творила в рамках класики, не спираючись на яскравість і помітність. Ельза ж була екстравагантною, любила шокувати та провокувати. Внесок обох у моду безперечно неоціненний, хоча бренд Скіапареллі не існує вже давно. Ідеї ​​та відкриття Ельзи можна побачити втілившись у сучасній модіВона ніби випередила свій час. Незвичайні поєднання кольорів, колір «фуксія» (шокуючий рожевий – це теж ідея Скіапареллі!), флакони у вигляді жіночого тіла, хутряні туфлі, ботильйони, незвичайні сумки, – все це ідеї талановитої Ельзи, яка справила величезний вплив на світ моди та стилю .

Крістіан Діор

Один із найвідоміших французьких модельєрів, якому ми завдячуємо ультраженственними сукнями в стилі нью-цибуля. Він мав художній талант, і в юності він мріяв стати великим художником. Після того, як збанкрутувала його приватна галерея мистецтв, він пережив важкі часи, злидні і безробіття, але доля ніби готувала йому інший шлях. Він почав розробляти театральні костюми, малювати ескізи французьких модних журналів. І ці ескізи стали надзвичайно популярними, він став співпрацювати з відділом мод газети Figaro, його помітили. Вирішив спеціалізуватися на моделях одягу, хоча ескізи моделей капелюшків були набагато популярнішими. Діора помітив відомий модельєрПіге, але через війну кар'єра Діора тоді не стартувала.

Після повернення з армії Крістіан почав працювати у відомому модельному будинку Lucien Lelong, де він багато чому навчився. В 1946 завдяки фінансуванню текстильного магната в Парижі відкрився будинок моди Діора. У 42 роки він став знаменитим, його перша колекція, названа ним самим «Вінценосна лінія», була визнана революційною і мала шалений успіх. Тільки уявіть собі повоєнний час, коли жінки так скучили за красою та вишуканістю, за підкреслено жіночним та розкішним вбранням. Діор, неймовірно чуйний та талановитий, відчув настрій соціуму, його бажання та мрії. Парижанки так втомилися тоді від чоловікоподібних піджаків та коротких спідниць, що із захопленням зустріли колекцію Діора. Жіночі силуети, розкішні та яскраві тканини, затягнуті талії, спідниці до щиколотки (або пишні, або прямі), маленькі круглі плечі – у цій колекції все було самим втіленням традиційної жіночності та чарівності.

Але не все було так безхмарно. Феміністки критикували колекцію, заявляючи, що повернення до кринолінів та корсетів свідчить про пригніченість трудових жінок. Багато хто вважав, що після війни розкіш і яскравість недоречна і блюзнірська. Однак, незважаючи на критику, нью-цибуля зачарувала публіку. Популярність Діора була приголомшливою, його ім'я стало асоціюватися з розкішшю та гарним смаком. Кожну його колекцію чекали, затамувавши подих, і на кожну чекав успіх.

Тільки в 1954 році був трохи небезпечний для кар'єри Діора момент, коли на модну арену повернулася Шанель, яка терпіти не могла «жаху 50-х», як вона говорила про моделі Діора. Але Діор дуже інтелігентно вийшов зі становища, випустивши нову колекцію, легку та невимушену. Іншу, ніж раніше, але таку саму жіночну. Силуети були природнішими, лінії пом'якшеними. Особиста помічниця Діора вже після смерті великого кутюр'є якось сказала, що «якби Діор був живий, мода не опинилася б у такому жалюгідному стані, в якому вона зараз».

Ів Сен-Лоран

Один із провідних модельєрів XX століття, якого Крістіан Діор обрав своїм наступником. З дитинства малював та любив театр, робив домашні лялькові постановки, клеїв костюми та малював декорації. Лоран працював асистентом у Діора і був зачарований його генієм, а Діор у свою чергу відразу визнав молодій людинімайбутнього майстра.

У 21 рік Лоран стає головою одного з найвідоміших модних будинків після раптової смерті Діора і буквально рятує бренд від фінансової загибелі. Він представив свою першу жіночу колекцію більш м'якого та легкого варіантанью-цибуля з трапеції силует. Лоран був першим, хто представив французьку моду в СРСР (1959), прилетівши сюди з 12 манекенницями.

Здавалося, що попереду блискучі перспективи як наступник, який виправдав очікування покійного Діора. Але не обійшлося, однак, без заздрості та неприємностей. Власник модного будинку Dior (Марсель Буссак), за чутками, наполягав на тому, щоб Сен-Лорана відправили на військову службу до Африки, тим самим бажаючи позбутися дизайнера. Там же він дізнається, що звільнений із модного будинку Dior.

У 1961 році з'являється бренд Yves Saint Laurent (Ів Сен-Лоран), перша його колекція мала великий успіх. Східні мотиви, яскраві кольори, натхнення з африканських країн. Сен-Лоран також випускає парфуми, працює як театральний художник, створює декорації та костюми.

Ідеї ​​наступних колекцій Лорана також здобули велике визнання і стали своєрідною модною класикою: жіночі смокінги (згодом вони стали фірмовою рисою бренду), костюми брюки, високі чоботи, светри з високим горлом, чорні шкіряні куртки, сукні в стилі сафарі, етнічні мотиви. Лоран стає першим дизайнером, який випускає повноцінну лінію прет-а-порте, а також першим дизайнером, якому за життя присвячують виставку у музеї Метрополітен.

Джорджіо Армані

Італійського модельєра називають першопрохідником моди XX століття, майстром крою, адептом якості та великим естетом. Джорджіо з дитинства любив мистецтво та театр, сам малював та шив наряди для ляльок. Він мріяв стати актором, але батьки наполягли на професії лікаря. Після двох років навчання Джорджіо покинув університет. Знайшов він себе саме у світі моди. Власну марку Армані створив у 1974 році, а до цього він працював оформлювачем вітрин у великому мережевому універмазі, а також створював чоловічий одяг для Ніно Черруті.

Професійні навички роботи з тканиною Армані призвели до того, що фактично завдяки йому підхід до пошиття чоловічий одягповністю змінився. З'явилися легкість і плавність, які, поряд із простотою та лаконічністю, забезпечують його виробам особливий шик та зручність. Після приголомшливого успіху чоловічої колекції Армані став представляти і жіночі колекції, приділяючи увагу особливо працюючим жінкам. У його колекціях традиційні погляди гармонійно сусідять із самими. сучасними тенденціями. Він модернізував класику з великою витонченістю та смаком. Розкішні матеріали, експерименти з поєднанням тканин, функціональність та універсальність, недбала елегантність – відмінні риси колекцій Армані.

Ральф Лорен

Відомий американський дизайнер, якого називають королем готової сукні, яка «відкрила Америці Америку». Його компанія (Polo Ralph Lauren Corporation) випускає аксесуари, одяг, білизну, текстиль, меблі, шпалери, парфумерію, посуд. Лорен тричі отримував звання «Дизайнер року», а також удостоєний титулу «Легенда моди» (Ради дизайнерів США). Для багатьох людей Ральф Лорен є прикладом того, як людина з невисокого соціального шару може досягти великих висот, маючи мрію і талант. Виходець з Білорусії (батьки його познайомилися і одружилися в США), з небагатої багатодітної сім'ї, Ральф змалку поставив собі за мету досягти успіху. Його вразив гардероб однокласника, який належав лише йому одному, і в якому так акуратно було розкладено одяг. У квартирі Ральфа шафа була одна на всіх. З того часу майбутній дизайнер вирішив працювати та відкладати гроші на свою мрію.

Цікаво, що Лорен не має диплома модельєра, але при цьому він є одним з найкращих світових дизайнерів. Сам він не шиє одяг, але є натхненником, дизайнером, що продумує кожну колекцію до дрібниць. Сам дизайнер каже так: «Я ніколи не ходив до школи моди – я був молодим хлопцем, який мав свій стиль. Я й не міг уявити, що «поло» стане тим, що є. Я просто слідував своїм інстинктам».

Спочатку Ральф працював продавцем (продав одяг, рукавички та краватки), потім став дизайнером краваток, створив принципово нову модель (на це його надихнув роман «Великий Гетсбі»): широка шовкова краватка (тоді як у моді тоді були тонкі краватки). Завдяки інвестору Лорен разом із братом відкрили магазин та свою марку Polo Fashion. Люди хотіли якісних та стильних речей та аксесуарів, марка набирала все більшої популярності. Лорен випускав колекції готового одягу (спочатку чоловічого, а потім і жіночого) та аксесуарів. Він єдиний почав випускати спортивні сорочки у 24-х відтінках.

Колекції Лорена поєднують у собі шик, вишуканість і при цьому невимушеність, простоту та яскравість. «Мій одяг – це бачення того, у що я вірю. Хтось сказав мені, що я письменник. Це правда – я пишу через свій одяг. Вона втілює історію, а не просто одяг», - сказав Лорен. Дружина Ральфа надихала його створення колекцій жіночого одягу: «У моєї дружини гарний смак та свій власний стиль Коли вона носила сорочки, светри та жакети, куплені в чоловічих магазинах, люди завжди питали, де вона це дістала. Її вигляд асоціювався у мене з молодою Кетрін Хепберн - дівчиною-бунтаркою на коні з волоссям, що розвівається на вітрі. Я створював сорочки для неї». Лорен ввів у моду одяг у стилі вестерн. А сорочки поло, схоже, ніколи не вийдуть із моди.

Мрії хлопчика Ральфа втілилися в реальність: він є одним із найбагатших людей у ​​світі, у нього міцна родина, троє дітей, він володіє ранчо та є одним із найбільших у світі колекціонерів старовинних автомобілів.

Роберто Каваллі

Знаменитий італійський дизайнер просить називати себе «художником моди» та славиться своїми екзотичними та ефектними колекціями одягу та аксесуарів. Його модний будинок дотримується філософії жіночності, шику та яскравого темпераменту. Сам дизайнер в одному з інтерв'ю сказав, що його мода «стала успішною та актуальною, тому що решта дизайнерів продовжувала випускати монотонні речі… Протягом тривалого часу дизайнери намагалися одягати жінок нарівні з чоловіками. Я змінив цю тенденцію. Я намагаюся підкреслити одягом жіночний, сексуальний бік, який є у кожній представниці прекрасної статі».

Великий вплив на розкриття таланту Каваллі зробив його дідусь, відомий художник Джузеппе Россі, та його мама, яка була кравчиною та дизайнером. У дитинстві, допомагаючи матері з гаптуванням одягу, Каваллі зрозумів, що хоче займатися дизайном та модою. Він був одним із найкращих учнів Академії мистецтв у Флоренції, вивчав технології створення друку на текстилі. Вже тоді створив серію квіткових принтів, якими зацікавилися великі фабрики Італії. Каваллі завжди любив експериментувати, ще навчаючись в Академії, він почав вигадувати різні способи фарбування шкіри та тканини, йому було тоді лише 20 років.

І ось ці експерименти призвели до того, що на початку 70-х Каваллі сам винайшов і запатентував систему друку на шкірі, яка дозволяла забарвлювати її в шість різних кольорів. Цей революційний винахід миттєво став популярним у різних модних будинків. Джинси з еластичного деніму – це ще один хіт від Каваллі, який забезпечив Дому процвітання та успіх.

Яскравий та екстравагантний одяг Роберто Каваллі користується великим попитом серед модниць всього світу, його носять найгламурніші знаменитості на планеті. Каваллі вважає, що у жінки має бути характер і сильно виявлена ​​індивідуальність. В одному з інтерв'ю він сказав: «Краса йде зсередини, і є відображенням індивідуальності кожної людини… Краса – це візитна картка, яка допомагає при першій зустрічі, але марна при другій».

Валентино Гаравані

Засновник модного будинку Valentino, відомий італійський модельєр з дитинства любив малювати, в юності любив мистецтво та цікавився модою. Був у підмайстрах, навчався у Школі витончених мистецтв у Парижі, та у Школі при Палаті високої моди. Працював у кількох модних будинках, потім відкрив власне ательє. Його роботи вирізнялися витонченістю, прекрасним кроєм, дорогими тканинами, ручним декором, вишуканістю. 1960 року з'явився бренд Valentino.

Завдяки зустрічі з архітектором Джаметті, майбутнім генеральним директором модного будинку Валентино отримує можливість займатися лише творчістю, не вникаючи в тонкощі бізнесу. Сам він казав: «Я тільки й вмію, що малювати сукні, приймати гостей та прикрашати будинок, а в бізнесі нічого не розумію». В одній із колекцій 60-х були присутні вбрання червоного кольору, що згодом став візитною карткоюмодного будинку Валентино. Модельєр каже: «Червоний – найкращий колір. Він підходить будь-якій жінці, просто потрібно пам'ятати, що існує понад 30 різних відтінків цього кольору».

У дизайнера протягом багатьох років одягалися зіркові знаменитості, багато з них воліли набувати вишуканих. весільні вбраннясаме у нього. Серед його клієнтів були такі легендарні особи, як Жаклін Кеннеді, Одрі Хепберн, Софі Лорен, Елізабет Тейлор. На врученні премії «Оскар» багато акторок блищали в нарядах від Валентино. У 2007 році знаменитий модельєр заявив про свій відхід зі світу моди, а в 2008 році на Тижні високої моди в Парижі відбувся прощальний показ, на якому всі моделі вийшли на подіум у сукнях червоного кольору, а глядачі аплодували стоячи.

Франція вступила у війну як союзниця Польщі 3 вересня 1939, оголосивши війну Німеччини. Але до квітня 1940 р. активні бойові діїна Західному фронті не велися – тривала так звана «дивна війна». У квітні 1940 р. німецькі війська окупували Данію та розпочали окупацію Норвегії, а 10 травня несподівано вторглися на територію Бельгії, Нідерландів та Люксембургу. Обійшовши з півночі укріплений кордон із Францією («лінія Мажино»), вже 14 червня німці зайняли Париж. Після капітуляції 22 червня 1940 р. Франція була поділена на дві зони: окуповану і вільну, на території якої влада формально здійснювала уряд Віші, який співпрацював з окупаційною владою. У травні 1942 р. німецька армія перейшла демаркаційну лінію та зайняла вільну зону.

Під час «дивної війни» практично всі будинки моди продовжували працювати (1939 р. закрили свої будинки моди тільки К. Шанель та М. Віонне). Колекції французьких кутюр'є були екстравагантні моделі, в основному розраховані на експорт до США. Улюбленими кольорами були національні кольори Франції – червоний, білий та синій. Е. Скья- пареллі, наприклад, представила комплекти квітів «Червоний Іноземного Легіону» та «Синій лінії Мажино». Кутюр'є пропонували спеціальні комбінезони для бомбосховища (Р. Піге,

Мал. 5.2.

Е. Скьяпареллі) (рис. 5.2). У травні 1940 р. під час паніки в очікуванні приходу німців багато будинків моди залишили Париж: одні через південь Франції поїхали до Лондона («Чальз Крід» та «Едвард Моліне»), інші - до США («Мейнбуше»,

"Жак Ейм", "Чарльз Джеймс").

Виїхала і Е. Скьяпареллі, яка мала контракт на читання лекцій у США, але її будинок моди залишився в Парижі. Фабриканти єврейського походження перебралися до Ніцци чи США. Інші будинки моди ("Маггі Руфф", "Люсьєн Лелонг", "Пакен", "Жан Пату", "Марсель Роша", "Ніна Річчі", "Жак Фат", "Крістобаль Баленсіага", "Ворт") спочатку переїхали в Бьяріцц та Ліон. Але потім Л. Лелонг, який з 1936 по 1946 р. був президентом Синдикату високої моди, прийняв рішення повернутися до окупованого Парижа, як він казав, «у пащу до диявола», де йому довелося розпочати боротьбу з німецькою владою за збереження високої моди у Франції.

За планом Гітлера паризькі будинки високої моди мали переміститися до Берліна чи Відня, щоб столиця Третього рейху стала столицею моди. Німецька влада в офісі Синдикату високої моди вилучила всі документи, які належали до експорту моделей. Однак Л.Лелонг зумів переконати окупаційну владу, що висока мода може існувати тільки в Парижі, тісно пов'язана з багатьма фірмами-постачальниками білизни, взуття, прикрас, головних уборів, рукавичок, мережив, сумок, пряжок, ґудзиків тощо, деякі у тому числі існують з XVI в. Це допомогло зберегти в Парижі 92 будинки моди та 112 тис. кваліфікованих робітників від примусових робіт на німецьких заводах у Німеччині. Оскільки ЛШелонг домігся для будинків високої моди деяких пільг на придбання матеріалів і права продавати моделі, крім талонної системи, кількість клієнтів під час війни не скоротилася. Новими клієнтами стали представники середнього класу та діячі «чорного ринку», а також німецькі офіцери, які купували паризькі моделі для своїх дружин та коханок. Колекції стали набагато менше, ніж до війни (було дозволено робити лише 100 моделей); крім того, німецька влада лімітувала кількість тканини, яку можна було використовувати в одній моделі. Не можна було шити моделі, що нагадують німецьку військову форму. У 1942 р. Лелонг вирішив проводити покази у Ліоні, куди могли приїжджати клієнти з інших країн - італійці, швейцарці та іспанці.

У 1942 р. у Парижі відкрився новий Дімвисокої моди – «Мадам Гре». Його творцем стала Жермен Кребс, яка залишилася без роботи після закриття у 1940 р. Будинку «Аліке». Втікши в травні 1940 р. з Парижа на південь Франції разом із чоловіком і дочкою, вона залишилася без засобів для існування, тому прийняла мужнє рішення повернутися в окупований Париж (вона була єврейка) і почати там нову справу, взявши як псевдонім ім'я, яким її чоловік, російський художник Сергій Черевков, підписував свої картини – «Гре». Будинок «Мадам Гре», як і його попередник «Аліке», пропонував вишукані сукні, які мали успіх у французьких клієнтів. Незважаючи на своє ризиковане становище, мадам Гре поводилася зухвало до окупантів - відмовлялася обслуговувати коханок німецьких офіцерів. Коли її змусили провести показ для німецьких офіцерів, вона продемонструвала сукні лише трьох кольорів – синього, червоного та білого, національних кольорів Франції. Внаслідок цього Будинок «Мадам Гре» був закритий владою за перевищення ліміту тканини. Тоді колекцію мадам Гре дошили в інших будинках моди. Коли ж вона вивісила великий триколірний прапор із ліонського шовку на будівлі Будинку моди, він знову був закритий, а їй самій довелося тікати до Піренеї, бо їй загрожував арешт. У Париж мадам Гре повернулася лише 1945 р.

Окупаційна влада запровадила у Франції нормування продовольства та картки на тканину та одяг (у липні 1941 р.). У лютому 1941 р. було вжито перших заходів щодо контролю використання тканини на швейних підприємствах, у квітні 1942 р. - заходів щодо скорочення витрати матеріалів під час виробництва одягу: були обмежені довжина спідниці та ширина штанів, заборонені зайві деталі (наприклад, відвороти на штанах) . Німецька влада конфіскувала запаси матеріалів на французьких фабриках і відправляла їх до Німеччини або змушувала виконувати німецькі військові замовлення. Особливо погано були справи зі шкірою для взуття, майже всі запаси якого були конфісковані для військових потреб. Взуття для цивільного населення шити було практично нема з чого - у хід йшли старі автомобільні покришки, гума, целофан, повсть і мотузки з коноплі та раффії. Багато хто згадав про традиційне селянське взуття Франції - дерев'яних сабо та освоїли їх виготовлення. Модниці майстрували собі взуття на високій дерев'яній чи пробковій підошві (платформі чи танкетці).

Мода стала для француженок однією з форм опору окупантам. Влада закликала економити - французи прагнули використовувати якнайбільше тканини, щоб менше дісталося німцям. Уряд Віші закликав носити скромні берети – француженки носили на своїх головах немислимі споруди з обрізків тканини та тюлю, пір'я та деревних стружок, газетного паперу та картону. У 1942 р. екстравагантні капелюшки витісняються більш практичними та зручними тюрбанами. Під час війни парижанки підтвердили свій статус найелегантніших, кокетливих та винахідливих жінок світу, буквально з нічого створюючи екстравагантне вбрання та користуючись яскравою косметикою (лак для нігтів, наприклад, можна було купити в будь-якій аптеці). Моделі від кутюр відповідали цій стихійній моді. Виклично екстравагантний стиль французьких будинків моди під час війни був своєрідною моральною відсічю окупантам. Паризькі кутюр'є створювали моделі з величезними плечима та драпіруваннями із забороненого шовку та віскози. яскравих кольорів, хитромудрі тюрбани (наприклад, моделі знаменитої модистки Полетт). Будинки моди пропонували моделі в «селянському» стилі, із середньовічними та латиноамериканськими мотивами (Будинок «Пакен»). Найбільш екстравагантними були моделі Е. Скьяпареллі. Наприклад, у 1939 р. вона запропонувала пальто з гудзиками із зображенням літери S (перші ґудзики із логотипом).

У червні 1944 р. почалася висадка союзних англо-американських військ у Нормандії - у серпні вони разом із армією Опору звільнили Париж. Мода після Звільнення продовжувала розвивати стилі воєнного часу, але спідниці стали ще коротшими, плечі – ширші, а зачіски та тюрбани – вищі. У моду увійшли патріотичні мотиви – тканини у смужку кольорів «триколору», триколірні вишивки та розетки зі стрічок, капелюхи з високою тулією, що нагадує фригійський ковпак – один із символів Республіки.

Після Звільнення знову вийшов журнал «Vogue», який під час окупації не видавався. Під час війни французькі журнали мод не друкували фотографій (бракувало фотоплівки та реактивів) - лише мальовані ілюстрації.

10 березня 2015, 17:55

Походження словосполучення «від кутюр» у Росії часто не розуміють, а точніше – плутають. Насправді це вимова французького терміна «haute couture», у дослівному перекладі – «високе пошиття», «Висока мода», а зовсім не російське «від Єлісєєва», «від Слави Зайцева» чи «від Версаче»! А тепер звернемося до суті цього поняття. Одяг haute couture це не просто щось елегантне, карколомне або створене вручну - це, строго кажучи, моделі тих нечисленних Будинків моди, які входять до Паризького Синдикату Високої моди (Chambre Syndicale de la Couture Parisienne).

Історія за аналогією з шампанським - як ви пам'ятаєте, тільки вино з регіону Шампань, що відповідає всім правилам французького Національного інституту найменувань за походженням (INAO), має право називатися і коштувати як шампанське, а схожі напої з Каліфорнії, Канади та Росії назавжди залишаться просто «ігристими винами». Загалом, Синдикат Високої моди - це суто французька профспілка, довгий часзакритий для іноземців. З глобальним міжнародним впливом – адже за кілька століть Париж відвоював статус столиці моди!

Досить суворі правила, за якими модні Будинки та ательє відповідного класу можуть подати заявку на вступ до Синдикату, регулюються законом Франції, а остаточний список його членів затверджується у Міністерстві промисловості. Все серйозно та на державному рівні. Монополізувавши лейбл haute couture і створивши Синдикат, Франція заслужила право ставити свій знак якості, а відповідно і ціни. Історія haute couture (тобто «Високої моди») – це соціальна історія Європи. Першим кутюр'є в сучасному розумінністав англієць Чарльз Фредерік Уорт, який спеціально переїхав до Парижа, щоб відкрити там свій Дім моди.

Це було 1858 року. Чому саме його вважають першим? Тому що він першим став диктувати клієнтам-аристократам своє бачення моди і вони його оцінили! Після нього почали робити й інші модельєри. Уорт першим розділив колекції по сезону, першим пришив до вбрання стрічку зі своїм ім'ям і першим увів покази одягу на живих манекенницях, відмовившись від поширеної тоді практики відсилати клієнтам ляльки, одягнені в міні-наряд.

Його замовниці, серед яких короновані особи дев'яти королівських дворів, відомі актриси та найбагатші люди того часу, обирали моделі з колекції, які потім відшивалися із запропонованих тканин за їхньою фігурою та розміром. Загалом, Уорт став справжнім революціонером індпошиття; він першим побачив у кравці художника, а не просто ремісника, і гордо назвав його «кутюр'є». І, до речі, він не соромився призначати дуже високі ціни за свої бальні сукні! У Франції, та й у всій Європі, одяг тривалий час залишався відмітною ознакоюстану, рангу та статусу у соціальній ієрархії. Закон забороняв нижнім станам носити одяг із певної тканини і навіть того чи іншого кольору.

Все змінила Французька революція! У цей час було видано указ, який дозволив усім громадянам Республіки носити будь-який одяг за їхнім бажанням. Швейна справа у зв'язку з цим різко пішла вгору, і в 1868 найбільш статусні модельєри, що одягали вищі кола суспільства, об'єдналися в Професійний Синдикат кутюр'є для захисту своїх авторських прав від плагіату з боку кравців, що одягали простих буржуа. Наприкінці XIX століття для вступу до цієї організації Будинки моди мали шити вбрання на замовлення і тільки вручну, що на думку Чарльза Уорта гарантувало унікальність моделі і висока якість(На відміну від машинного виробництва). А трохи пізніше за всіх зобов'язали проводити регулярні покази моделей для клієнтів і двічі на рік демонструвати нові сезонні колекції, тобто піаритися. Лише член Синдикату мав право носити звання кутюр'є. Клієнти, які бажали підкреслити свою індивідуальність та високе становище у суспільстві, ходили на покази та одягалися лише у таких майстрів.

Отже, 1900 року у кутюрному «цеху» складалося 20 Будинків мод, 1925 року - 25, 1937 - вже 29. Нарівні з паризькими Будинками стояли ательє і Будинки мод, створені російськими емігрантами-аристократами: IrFe, Ітеб, Каре та ін З 1910 року Синдикат трансформувався в Палату Високої моди, яка стала займатися просуванням французької моди на міжнародний ринок. Одразу після Другої світової війни Палата організовує пересувну виставку - Театр моди, в якій взяли участь 53 модні Будинки. За наступний рік кількість будинків збільшується до 106! Цей час називають «золотими роками» кутюра: у Парижі проходить по 100 показів на сезон, на «Високу моду» працюють понад 46 тисяч осіб, послугами Будинків користуються 15 тисяч замовниць, в основному представниці «старих грошей» Європи та Америки, аристократки . Такі відомі пані, як герцогиня Віндзорська чи Глорія Гінесс, замовляють для свого гардеробу цілі колекції.

Сонсолес Дієз де Рівера і де Іказа, іспанська аристократка, яка одягалася у Крістобаля Баленсіаги: «Коли моя мати - постійна клієнтка Eisa (іспанського ательє Баленсіаги) і просто його подруга - дізналася, що кутюр'є все закриває і відходить від справ, вона відходить від справ тому що буквально весь свій гардероб десятиліттями замовляла у нього і просто не розуміла, що їй тепер робити. Його речі, пошиті для однієї клієнтки, не були схожі на ті, що він робив для іншої. Так добре він їх знав».

Весільне плаття, зшите Баленсіагою для Сонсолес Дієз де Рівера та де Іказа

Причина, через яку Баленсіага та інші кутюр'є змушені були так засмутити своїх клієнток - у 60-х з їх «революцією молодих», молодіжною музикою та молодіжними субкультурами. Все - тепер тренд задають кумири, що бунтують, а центром моди для молодих стає Лондон! Мода різко втрачає свій елітарний характері і перетворюється на масову демократичну індустрію.

Настав час prêt-à-porter - індустрії готової сукні! Простий смертний отримав можливість купувати собі дизайнерські речі у магазинах. Не витримавши конкуренції, ательє закриваються одне одним, і до 1967 року у Парижі залишається лише 18 Будинків мод. Тоді паризький haute couture вижив лише завдяки «арабським принцесам», дружинам і дочкам саудівських або катарських нафтових шейхів, які приїжджали до Парижа і, не рахуючи, витрачали гроші на ексклюзивні вбрання знаменитих брендів. Нові багатії зі США, які зробили собі статки, наприклад, у Силіконовій долині, не цікавилися «Високою модою», у «нових грошей» були зовсім інші способи соціальної самопрезентації, всі були схиблені на благодійності, і купівля наддорогого вбрання для них морально неприйнятна. Тому наприкінці XX століття, коли на гаманці арабської клієнтури вплинула нафтова криза, кілька великих паризьких будинків (Torrente, Balmain, Féraud, Carven, Jean-Louis Scherrer, Givenchy та Ungaro) призупинили покази.

Паризький кутюр треба було рятувати! Стежити за зміною пульсу та підтримувати імунітет «поставили» маркетологів та фінансистів. Саме тоді, власне, в управлінні модними будинками і з'явилися люди, які ще вчора успішно продавали йогурти чи памперси. Але все-таки, чому французи не покинули цю витратну справу і чому вони так серйозно ставляться до, здавалося б, звичайного кравецького ремесла?

По-перше, достатньо подивитися, як з десяток майстринь вишивають вручну деталь сукні або обробляють спеціально привезені з Південної Африки пір'я, щоб зрозуміти, що «Висока мода» - не просто декадентська примха для багатих, а справжнє мистецтво шиття. Трудомістке, дороге та рідкісне мистецтво для тих, хто може це собі дозволити (уявіть, на одну сукню зазвичай йде від 200 до 500 годин роботи).

По-друге, цінність французького кутюру - у використанні праці висококласних ремісників, які у традиційних для Франції спеціалізованих ательє виготовляють мережива, плісування, прикраси з пір'я, гудзики, квіти, біжутерію, рукавички та капелюхи на замовлення Будинків мод. Все це робиться вручну, з душею, як за старих добрих часів, а тому просто не може коштувати дешево! Якщо ці старовинні ательє не забезпечувати замовленнями, то їх багатовікові знання та досвід назавжди зникнуть у вирі масової моди made in China. Загалом, кутюр - не просто культурне надбання, а емоційна складова бренду «сучасна Франція», і поки в Парижі сильні кутюрні традиції, Франція стоятиме вище за будь-яку зі світових столиць моди!

Прийнявши правила гри сучасного fashion-бізнесу, Палата Високої моди активно включилася в менеджмент і маркетинг, вона займається організацією тижня haute couture, що щорічно проходить у січні та липні, налагоджує та підтримує зв'язки з пресою та баєрами по всьому світу, а з 2001 року. умови прийому до Синдикату.

Сьогодні для набуття статусу Будинку haute couture необхідно мати основне виробництво (ательє, майстерні, магазини) у Парижі, щоб юридично входити до відомства французького Департаменту промисловості; оплачувати роботу не менше 15 постійних співробітників - фахівців з шовку, фахівців високого класу по крою (раніше - 20 співробітників та трьох постійних манекенниць), двічі на рік демонструвати на подіумі по 35 моделей (на початку 1990-х рр. колекція повинна була включати не менше 75 моделей на сезон). Всі сукні haute couture виконуються тільки в одному примірнику, кількість машинних швів не повинна перевищувати 30%, обробка та декор повинні проводитися за старовинними традиціями, у тих спеціалізованих паризьких ательє. Плюс великий вступний грошовий внесок – куди без нього! Ці «поступки» дозволили прийняти до Синдикату Жана-Поля Готьє та Тьєррі Мюглера.

Незважаючи на модернізацію всієї системи, старі французькі Будинки розорялися і один за одним виходили з гри, тому для залучення нових люксових брендів було запроваджено ще одну категорію участі – «Запрошені члени Синдикату». І - так, тепер на особливих умовахдо Синдикату починають приймати рідкісних іноземців. Будинки Versace, Valentino, Elie Saab, Giorgio Armani, штаб-квартири яких знаходяться за межами Парижа, стають членами-кореспондентами Палати. Крім того, з'являється опція defile-off: можливість для молодих дизайнерів за кілька сотень тисяч доларів показати свої колекції не «в рамках», а «на полях» тижня «від кутюр» (такою можливістю, до речі, нещодавно скористалася Уляна Сергєєнко) . Цей хід має цілком практичне пояснення: потрапити в розклад тижня prêt-à-porter молодим дизайнерам практично неможливо, воно забите під зав'язку, зате в кутюрному тижні місця повно, а значить - більше шансів бути поміченим.

Починаючи з 2005 року, у haute couture починає повертатися життя, приходить «мода на Високу моду». Відновив покази ледь живої Givenchy, про збільшення замовлень тоді заговорили представники Будинків Christian Lacroix та Jean Paul Gaultier; Christian Dior продає по 45 кутюрних суконь прямо з подіуму. У Chanel стверджують, що їхні сьогоднішні клієнти haute couture - не лише близькосхідні мільйонери та ексцентричні росіяни, а й європейці, американці, індійці та китайці. Джорджіо Армані дуже здивував аналітиків модної індустрії, запустивши в 2005 році свою кутюрну лінію Armani Prive - мовляв, на що розраховує 70-річний італієць, який ніколи не робив «Високу моду» і побудував свою імперію на класичних піджаках та штанах? Проте його ставка на супер-розкіш виявилася вірною (як і в 2012 році - на лінію варення та джемів Armani / Dolci): одяг ціною 15 000 євро, на створення якого йде по 2 місяці, користується попитом у його європейських клієнтів. Крім того, і Armani, і Chanel оплачують своїй головній швачці перельоти приватним літаком для проведення примірок безпосередньо у клієнта: багато з них не присутні на дефілі, оберігаючи своє приватне життя. Модні Будинки все частіше проводять закриті покази у шоу-румах Нью-Йорка, Дубая, Москви, Нью-Делі чи Гонконгу, адже лише 10% клієнтів купують кутюрні речі у Парижі.

У англійській газеті Telegraph одного разу процитували слова молодої покупниці кутюру з Казахстану: «У нас у країні пишне весілля – це норма. Моя шановна сім'я не може дозволити, щоб я з'явилася на весіллі в простою сукню. І в жодному разі не можна, щоб на іншій гості було таке саме вбрання. Так що haute couture для подібних випадків - скоріше необхідність, ніж розкіш. Наші батьки та чоловіки сприймають цей факт як належне. Соціальний календар шановної заможної жінки зі Сходу, за версією кутюрних ательє, - це від п'ятнадцяти до двадцяти весіль на рік плюс як мінімум по одній закритій вечірці щомісяця. Він набагато більш насичений, ніж у найбагатших жінок Європи та Північної Америки, для яких гідний привід надіти вбрання haute couture – це весілля членів королівських сімей та благодійні великосвітські бали. Жаль тільки, що фоторепортажі зі східних балів не можна побачити у світських рубриках глянсових журналів».

Щоб дві сукні не «зустрілися» на одній вечірці, у Будинках моди при кожному замовленні ставлять численні питання, серед яких: «На який захід ви запрошені?», «Хто вас супроводжує?», «На якому виді транспорту вам доведеться приїхати до місця заходи?», «Скільки гостей очікується?» Представники ательє чітко ведуть записи, в яку країну і на яку подію вирушить те чи інше вбрання.

Але найдивовижніше те, що ті традиції haute couture, які пропагував Уорт 160 років тому, досі живі! Як і раніше, показані на дефіле сукні є моделлю-зразком. Так само клієнтка вибирає модель, яка їй сподобалася, потім для неї вручну шиється. нова модельза фігурою. Щоправда, тепер для постійних клієнток навіть роблять спеціальні манекени, точно за їхніми мірками. Але так само, як у Уорта, ці речі не можуть коштувати дешево: ціна вечірнього туалету буде приблизно 60 тисяч доларів, костюма – 16 тисяч доларів, сукні – від 26 до 100 тисяч доларів.

Кожен із Будинків, що випускають haute couture (крім, мабуть, таких гігантів, як Chanel та Christian Dior), має в середньому 150 постійних клієнток, це не набагато більше, ніж у придворних кравців у XVII столітті. Незважаючи на те, що в усьому світі знайдеться не більше двох тисяч замовниць, а основним доходом Будинків, як і раніше, будуть парфум, косметика, аксесуари та сумки, саме в цьому союзі чистої творчості та індустрії - світле майбутнє моди. Професіонали передбачають два шляхи розвитку кутюру у XXI столітті: перший – кутюрна лінія стане лабораторією ідей, маніфестом та концептуальним висловлюванням. Другий – це «повернення до витоків»: робота з клієнтками, створення для них гардеробу, який прикрашатиме їх у всіх можливих життєвих ситуаціях.

Станом на 2012 рік офіційними членами Синдикату високої моди були (не змогла знайти більш пізню інформацію):

Adeline André

Christian Dior

Christophe Josse

Franck Sorbier

Givenchy

Jean Paul Gaultier

Gustavo Lins (fr)

Maurizio Galante

Stéphane Rolland

Ювелірні бренди – члени Синдикату:

Chanel Joaillerie

Van Cleef & Arpels

Члени-кореспонденти: Elie Saab, Giorgio Armani, Giambattista Valli, Valentino, Versace.

Запрошені гості: Alexandre Vauthier, Bouchra Jarrar, Iris Van Herpen, Julien Fournié, Maxime Simoens, Ralph & Russo, Yiqing Yin.

Колишні члени: Anna May, Anne Valérie Hash, Balenciaga, Callot Soeurs, Carven (fr), Christian Lacroix, Ektor Von Hoffmeister, Elsa Schiaparelli, Emilio Pucci, Erica Spitulski, Erik Tenorio, Escada, Fred Sathal, Gai Mattiolo, Grès, Guy Laroche, Hanae Mori, Jacques Fath, Jacques Griffe (fr), Jacques Heim, Jean Patou, Jean-Louis Scherrer, Jeanne Lafaurie, Joseph, Junaid Jamshed, Lanvin, Lecoanet Hemant (fr), Lefranc Ferrant, Loris Azzaro, Louis Feraud, Lucien Lelong, Mad Carpentier, Louise Cheruit, Madeleine Vionnet, Madeleine Vramant, Maggy Rouff, Mainbocher, Mak Shoe, Marcel Rochas, Marcelle Chaumont, Nina Ricci, Paco Rabanne, Patrick Kelly, Paul Poiret, Pierre Balmain, Pierre Cardin, Rabih Kayrouz, Ralph Rucci, Robert Piguet, Ted Lapidus, Thierry Mugler, Sophie, Torrente (fr), Yves Saint Laurent

Оновлено 11/03/15 00:49:

Відео як роблять одяг від кутюр

Оновлено 11/03/15 01:16:

Як робиться плісування

Оновлено 11/03/15 18:40:

Діор часу Гальяно

Оновлено 11/03/15 18:55:

У наші дні космополітичне вище модне суспільство переміщається між Нью-Йорком, Лондоном, Міланом та Парижем. Donna Karan, Oscar de la Renta, Vivienne Westwood, Valentino, Versace, Chanel, Dior та інші створили справжні храми моди та розкоші. Де крайній ступінь розкоші, межа того, що може дозволити собі жінка, не стиснута в засобах – кінозірка, принцеса, супермодель, топ-менеджер чи дружина дуже багатої людини? Відповідь очевидна – висока мода.

Висока мода, або «Haute Couture» по-французьки, означає найексклюзивніші твори модних будинків. Однак не кожен модний будинок створює високу моду. Зазвичай такий одяг роблять найвідоміші дизайнери – і найчастіше створюють його для конкретних замовників. Більшість будинків «від-кутюр» випускають за рік лише близько півтори тисячі суконь.

Кожне предмет із колекцій високої моди шиється вручну за мірками замовника. Тому одяг "від-кутюр" завжди ідеально сидить, а такі великі кутюр'є, такі як легендарний Баленсіага (1895-1972), можуть навіть перетворювати пропорції фігури завдяки крою.

Клієнти будинків високої моди можуть бути впевнені, що не зустрінуть нікого в такій самій сукні. Haute Couture – вища форма міжнародної моди, схожа на мистецтво. Автори високої моди можуть адаптувати свої ідеї до вимог конкретного замовника. До речі, клієнти будинків високої моди часто мають шанс особисто познайомитися із зірковими кутюр'є, а також отримують запрошення відвідати глядачами тижня моди в Парижі, які проходять двічі на рік - у січні та в липні.

Париж – центр високої моди

З часів екстравагантного двору короля Людовіка XIV французькі модні трендислужили предметом пильної уваги решти Європи. Пізніше, у 18 столітті стала відома Роза Бертен, "міністр моди" при дворі Марії-Антуанетти, модистка королеви, яка вважається першим знаменитим французьким модельєром. Саме з того часу сукні з Парижа почали з'являтися у Лондоні, Венеції, Відні, Санкт-Петербурзі та Константинополі. Неповторна паризька елегантність створила репутацію французької моди у всьому світі. Висока мода, яку ми її знаємо, з'явилася в 19 столітті. Батьком "от-кутюр" став Чарльз Фредерік Уорт, якого можна вважати першим сучасним кутюр'є. Він відкрив свій модний будинок у 1858 і представив низку інновацій – наприклад, демонстрацію суконь на живих моделях. Його клієнтами були імператриця Євгенія (дружина останнього французького імператора Наполеона III) та принцеса Меттерніх (дружина австрійського дипломата Меттерніха).

Однак Уорт придумав не лише перші модні покази. Він разом із синами заснував Паризький синдикат високої моди у 1868 році – асоціацію будинків високої моди, яка визначає, яким критеріям мають відповідати модні дизайнериносити горде звання кутюр'є. В наш час термін від-кутюр визначається французькою владою і має низку точних критеріїв. Тому лише вузьке коло модних будинків може називатися будинками високої моди. Щороку їхній список визначає Паризький синдикат високої моди.

Щоб вважатися від кутюр, будинок моди повинен мати штат не менше двадцяти осіб. Він має представляти пресі колекції щонайменше з тридцяти п'яти ансамблів двічі на рік у Парижі. Причому колекції мають бути як денні, і вечірні предмети одягу. Очевидно, що виконання та підтримання всіх цих критеріїв робить створення будинку високої моди дуже престижною, але дуже складною справою.

У чому унікальність високої моди

Хто ж клієнти будинків від кутюр? Будинки високої моди рідко розповідають про своїх клієнтів, що цілком слушно. Однак ми знаємо, що в минулому їхніми клієнтами були зірки великої епохи кіно: Марлен Дітріх, Одрі Хепберн, Ромі Шнайдер, Грета Гарбо, Бріджіт Бардо та Елізабет Тейлор. А також члени королівських сімей – Грейс Келлі, принцеса Монако, королеви Бельгії, Данії, Іспанії та Таїланду, арабські принцеси – дуже довгий список. В наш час клієнтура модних будинків поповнюється за рахунок поп-зірок, таких як Мадонна або Дженніфер Лопес, а також жінок із промислових та фінансових імперій, таких як Онассіс, Гетті, Тіссен, Ротшильди.

Є й зворотний зв'язок – у одязі «від-кутюр» жінка почувається по-справжньому важливою персоною. Топ-менеджерам, жінкам-політикам та іншим серйозним леді важливо виглядати елегантно та представно, а також почуватися добре та впевнено. А що може бути краще для впевненості в собі, ніж ідеально пошитий по фігурі одяг, твір когось із топових дизайнерів?

Висока мода на практиці

Для створення кожного твору високої моди потрібно багато роботи. Наприклад, на те, щоб пошити денний костюм, потрібно сто-сто п'ятдесят годин роботи, а на вечірню сукню з вишивкою може знадобитися тисяча годин. Процес створення одягу стає справжнім мистецтвом. Так, наприклад, Карл Лагерфельд, кутюр'є будинку Chanel, спочатку малює малюнок, потім по ньому робляться викрійки, якими спочатку з простої тканини шиється чорновий варіант одягу (туаль) і тільки після цього робиться справжній одяг, причому проводяться мінімум дві примірки. Для постійних клієнтів Chanel містить спеціальних персональних манекенів, зроблених за мірками клієнта.

Для сучасної успішної жінкиє багато приводів звернутися до найрозкішнішої моди. Адже в житті багато особливих приводів, для яких підійде одяг від кутюр: весілля, ювілей, здобуття нагород, прем'єра в театрі, бал, відвідування офіційних заходів і так далі.

Сучасні французькі великі модні будинки

Герцогиня Віндзорська місіс Уолліс Сімпсон у 1937 році виходила заміж за короля Едуарда VIII у сукні від французького модного будинку Mainbocher. Іспанська принцеса Алькантара на весіллі була у сукні від Lanvin. Весільна сукня бельгійської королеви Фабіоли була зшита Balenciaga в 1960. Багато великих модельєрів, таких як Менбокер, Поль Пуаре, Мадлен Вьонне, Роббер Піже, Ельза Скіапареллі та інші, вже покинули цей світ. Інші, наприклад, Баленсіага, Ніна Річчі, Пако Рабанн, Тед Лапідус і Тьєррі Мюглер пішли з високої моди. Але інші великі будинки, такі як Chanel, Dior, Givenchy та Jean Paul Gaultier продовжують існувати та розвиватися.